赵月琪
摘 要：中国画，即“国画”，是我国历经几千年发展与沉淀的传统绘画方式，作为传统艺术文化中浓墨重彩的一笔，中国画在中华传统文化中也占据着举足轻重的地位。人物题材中国画在艺术方法以及技巧等方面要求颇高，尤其表现在色彩选用、色调搭配的掌握和应用上，得当适合的色彩应用有助于提升整幅画作的艺术美感，促进作品情感的深层次表达，给人以别样的视觉冲击和艺术享受。本文基于中国画的发展历史，以人物题材为基本落脚点，对其创作时的色彩应用展开剖析与探讨，希望能为相关美术艺术者研究中国画提供一些参考。
关键词：中国画；
人物题材；
创作；
色彩
Absrtact：
Chinese painting， that is， "Chinese painting"， is the traditional way of painting which has been developedand settled for thousands of years in our country， chinese painting also occupies an important position in Chinesetraditional culture. The subject matter of Chinese painting requires high artistic methods and techniques， especiallyin the selection of colors and the mastery and application of tonal collocation， appropriate color application helpsto enhance the whole picture of artistic beauty， to promote the works of deep expression of emotion， giving peoplea different kind of visual impact and artistic enjoyment. Based on the development history of Chinese painting， thispaper analyzes and discusses the application of color in the creation of Chinese painting， hoping to provide somereferences for related artists to study Chinese painting.
Keywords：
Chinese painting;subject matter of figure;creation;color
0 引言
中國画在美术领域独树一帜，蕴藏着我国时代特点和民族特色，其绘画种类繁多、内容丰富，涉及人物、山水、花鸟等，并在不断发展和运用的过程中，愈发强调色彩应用的重要性，而非只是简单地填充或点缀，进而提高中国画的绘画创作水平，增强中国画的艺术美感。随着时代的变迁，色彩种类愈发丰富，绘画艺术家用一幅幅优秀的画作诠释了色彩的内涵，也充分体现了色彩应用的重要价值。中国画对色彩的应用应该以中国画的历史底蕴为基础，从更深层次的角度分析中国画中蕴含的思想情感，借助色彩的烘托和渲染，表达不一样的意境之美。
1 中国画人物题材创作中色彩运用概述
中国画，顾名思义，是中国传统绘画方式，在我国绘画创作领域有着深远的作用以及贡献，不仅可以通过画面传达心灵信息，还可以通过笔触、水墨表达画者情感语言。就唐代壁画来说，多选用工笔重彩的描绘方式来展示和凸显皇室建筑的宏伟壮观，对色彩用量要求颇高，但此种较为新颖的画法技巧却未与中国传统画以笔墨为主的特点相斥，反倒是相得益彰、令人惊叹，此间不乏一众画家积极探索、勇于创新，将普通的墨水进行调色入画，使得人物画在色彩的呈现上更为丰富[1]。到了晚唐时期，画坛主流则是在前者基础上不断发展而来的水墨渲染，即画者将墨水以不同比例调配成深浅不一的颜色，绘制浓淡变化显著的画作，借此表现时代背景以及心中所想，达到别样的艺术呈现效果，一时间人们争相效仿，可谓是风靡一时。
受传统中国画艺术理论的影响，中国画在线条、墨色呈现上有了一种独特的艺术效果，但也不乏斥责之声，其中以中国画中色彩的应用为艺术家们的争论焦点，甚至一度出现打压大胆用色的画者的现象，短期内对中国画的发展有着阻碍，但此类种种皆是发展史的必经之路，反观既往，此类争议在历史的长河中反倒是推动了中国画人物题材创作中角色的大胆创新。此后，中国画的色彩变化尤为突出，以蓝绿色调和棕色调为主，全幅以较低的明度、纯度以及饱和度，奠定清新淡雅的艺术基调，意境相当之柔美与舒适，给人以心旷神怡、身临其境的艺术感受。
2 中国画人物题材色彩应用特点
人物题材中国画在我国绘画艺术史上占据举足轻重的地位，经过画家的探究与实践逐渐呈现出多种形式，如肖像画、风俗画、道释画、仕女图等。纵观此类作品，不难看出色彩是呈现人物题材中国画艺术价值与魅力的核心，一旦缺乏色彩的点缀与修饰，人物题材的中国画创作便是存在缺陷的[2]。由此可见，以人物题材为例，色彩在中国画作品的创作有着其独特且鲜明的特点，集中体现在以下几个方面：
2.1 色彩的表现效果
通过对于中国画与西洋画在色彩方面应用特点的艺术鉴赏与总结，可以很明显地发现人物题材西洋画作中的色彩较为浓艳，相比之下，中国画作中的色彩倒是显得较为淡雅了许多。这些表现效果的差异无疑是中西方人物题材绘画艺术的创作理念不同而导致的。人物题材西洋画侧重于写实，更多借助于色彩和光影的交叠体现虚实、构建层次。而人物题材中国画则是追求“以形写神”，在“似”与“不似”之间反复游走，给人以灵动感与神秘感。除此之外，人物题材的中国画与西洋画在意境呈现、透视法运用等方面也有较大差别，进一步展现了中国画在色彩表现效果方面的特点。一般情况下，在进行人物题材中国画创作时，通常选用一种颜色作为主色调，并以此为基础和切入口，通过一定方式方法以及绘图技法来突出主色调，使得整幅画的色彩更富有美感。值得注意的是，往往只有在宗教人物题材的创作中，画家才会使用较为浓烈的色彩以突出特定的人物形象，依托色彩的递进、晕染，使宗教人物形象活灵活现。
2.2 色彩的搭配方式
在传统的中国画创作，尤其是人物题材的中国画中，画者往往更加注重创作技巧的提炼与精进，进而提高色彩应用水平。在一幅接一幅的绘画实践中，不断夯实色彩应用的基础，掌握色彩应用的特点与风格，创新色彩应用的方式与技巧，通过层层过渡与反复叠加来凸显色彩的使用与呈现效果，表现出人物的灵动感与美感，使得人物形象更为丰富[3]。除此以外，画家也非常重视对于细节的处理，例如为了避免出现过度渲染，画者尤为注意观察色彩的细微变动对人物形象特点表达是否产生影响，往往需要经过仔细推敲、斟酌后才下笔。色彩渐变过程的把握也是画家关注的重点，特别是使用一定数量的调和色，需要在色彩合理的基础上，探索与创新出普通色彩叠加所无法呈现的色彩，使画作色彩更为丰富、饱满，不仅能提高色彩调整的质效性，也在一定程度上保证了绘画的艺术效果。
2.3 水墨精神的宣扬
人物题材的中国画创作往往采用色彩和水墨为创作基础。水墨作为中国特有的色彩，在突出和丰富人物形象特点上发挥着不可小觑的艺术作用，凭借契合的水墨色彩更有助于赋予人物灵动性与生命力，使其形神兼备、栩栩如生。而在进行具体的绘画时，画家对水墨和色彩的搭配尤为重视，即“大范围覆盖，小范围渲染”，通过笔法与技巧将两者进行有机结合和融汇，在突出色彩应用效果的同时，烘托出水墨绘画的艺术特色，从而达到展现画作艺术美感的目的。除此之外，画家大多喜爱留白，采用这一方式有利于意境的营造与呈现，传达思想情感，带来无限的想象空间，给观赏者以丰富、多层次的美感享受与艺术升华。
3 中国画人物题材色彩应用策略
3.1 白描画法
白描画法，又称线描，即先用毛笔墨线等勾勒出物象的轮廓，再对其略以淡墨进行填充与修饰，甚至不着色彩的画法。通过线条与笔触之粗细浓淡、轻重快慢等展现物象的结构与层次，从而将物象最本真的状态跃于纸上，给人以身临其境之感[4]。原始时代，白描画处于萌芽阶段，彩陶纹样借助直曲线、疏密线、繁简线，起到美化装饰的作用，更有甚者通过这样的笔触方式刻画图案、符号，从而反映早期人类的思想、情感以及信仰；
魏晋南北朝时期，白描画逐渐走向成熟并出现专业画家，顾恺之凭借其轻淡的笔触勾勒衣服褶皱，精致而生动，以形写神，推动了白描画法的繁荣发展；
唐宋时期，白描画已进入成熟时期，吴道子独创的“莼菜条”画法别具一格，重点把握人体曲线与周遭环境的结合，将客观物象的灵动感表现得淋漓尽致；
而到了北宋时期，白描画法则已然成为一项独立科目，画家李公麟在前人吴道子的画法与技巧上加以研究、创新与完善，汇集各方长处加以融合，使白描画法发生了质的变化，被称为“白描第一人”，代表作《维摩演教图》（图1）、《五马图》（图2）、《山庄图》等。
3.2 工笔重彩画法
工笔重彩，即依托工整细密和敷设重色，来呈现物象的绘画艺术，更因其“雅俗共赏”的特性得到了广大人民群众的喜爱，在我国早期的绘画史中占据主要地位。“丹青”作为绘画的代称被沿用至今，而其中的“青”便是指石青、石绿，都是工笔重彩画中最为常用的颜料，其创作主要分为6 个步骤，即起稿、勾线、分染底色、着色、罩色、提色，而色彩的搭配及合理运用在后四个步骤中运用较多[5]。就仕女图来说，分染底色需要画者在暗处先分染次重色，其次选用赭色进行面部分染，从而表现仕女面部的表情变化以及凹凸状态；
传统仕女的着色特征与京剧人物的妆效较为相近，通常为“三白法”，即在额、鼻和下颚三部分晕白粉，眼眶和面颊多用洋红朱膘藤黄这类比较夸张的色彩，按色调比例需要掺入少许白粉，绘制男子面部时则略有差异，大多采用赭石、朱膘和藤黄再加少许白粉；
罩色旨在统一色调及补救某些不协调的部分，较为常见的是在面部选用淡赭石平涂一或两遍；
最后的提色是对重点部位的再加工与完善，为突出仕女的面部特征，可在其三白部分再加白粉，有时也可从纸背面托染白粉。
工笔重彩画法的造型工整细致、色彩艳丽，每一道技法都需要深厚的功底，可谓是艺术领域的重要财富。
3.3 写意画法
写意画法以工笔画法为基础进行创新，依托水墨彩色对人物进行描绘，主要是以简练的笔法描绘和写意人物、山水以及花鸟，一种方法是将调好的颜色直接上纸，笔笔交行具体，不在纸上过多地混合，笔上的颜色排列效果，大体就是纸上的效果；
一种方法是在纸上边画边调，有时一遍完成，有时数遍完成，这两种方法常常结合使用[6]。要想充分地发挥色彩的表现力，不仅要熟悉色彩的性能，掌握调色、着色的具体方法，更要培养强烈的色感，并能把握住色彩的整体关系。明朝写意画以南宋画家梁楷的简笔人物画为基础，逐渐发展与创新，尤以“吴门画派”为主流和焦点，将写意画置于前所未有的高度，一派繁荣兴盛之象。以花鸟画为例，主要技法有点染法、勾染法、罩染法、烘染法、接染法，挑其中几个简单说说，点染法讲究果断下笔、落笔成形，借助色彩的深浅变化表现所畫物象的虚实与神态意趣；
勾染法常用于白花或白叶，在色彩的选用上一定还要浅，达到似有似为、点到为止的效果，以色彩的协调为原则，此外为了使深色的花或叶更有动态美，往往也会选用淡赭色、淡赭墨、淡草绿、淡花青、淡藕荷等色勾染在花和叶的周围，使其富有多层次的表现力与美感；
罩染法中所谓的罩染，是指在前一种颜色已经干或快要干后，用另一种颜色罩在上面，以色罩墨或者以色罩色，其中在树枝、藤蔓上罩一层草绿色最为常见，使两种颜色结合形成全新的色彩效果，既表现了物象的深浅、冷暖变化，又使得整幅画作气调统一、过渡自然，增加了画作的层次感。
4 中国画人物题材创作中色彩应用发展
中国画的艺术发展在一代代杰出画者积极钻研与实践的基础上，通过集大成和创新融汇，不断得到提炼与完善，从而流传至今，给当代人带来了无数的艺术享受以及艺术价值。不得不提的是，在如今飞速发展的时代背景下，伴随着人们审美观念的变化，人们对于中国画的关注日渐式微，长此以往必将导致中国画的没落甚至衰亡。因此，笔者认为重振中国画的艺术地位迫在眉睫，要让中国画重回兴盛顶峰，就必须学习古人的钻研与创新精神，特别是加强色彩应用，选择性地吸收西洋画优秀、先进的色彩应用观念，“取其精华、弃其糟粕”地有机融入当今中国画的创作中来，确保中国画在色彩应用上不与时代脱轨，呈现浓郁的中华艺术文化的时代气息。
除此之外，中国画人物题材创作中的色彩运用须建立在平等和尊重的基础上，从内心深处认可传统文化并加以继承、弘扬，将人物题材中国画的色彩运用理念和技法与符合时代背景的新潮艺术理念与色彩理论相结合，同时对新色彩应用的方法与技巧进行提炼与总结，在融会与掌握之余注入个人风格与心得体会不断创新，通过色彩技巧的合理应用，保证依托色彩的无声阐述合理得当，使作品的层次感更为明显，流露出更多的情感，给人以良好的视觉冲击和赏味效果，使中国画呈现更多的艺术内涵和艺术美感。
总的来看，学术艺术、审美观念等的日益变化，给绘画中色彩运用提供更多技巧和方法的同时，也对画家的色彩创新提出了更高的要求，这也不失为一件益事，在借鉴中学习，在概括中提炼，给中国画带来了更多的发展机会和上升空间。
5 结语
综上所述，绘画是内容的呈现、情感的表达以及时代的印记，就中国画而言，画家创作中最能借以与鉴赏者达到共情作用的方式无疑就是色彩的合理应用。中国画人物题材创作中色彩之丰富多彩、斑斓绚丽，蕴含着浓郁的时代气息与民族特色。中国画人物题材创作正是依托这些色彩，生动展现人物形象本体的特点，表达画者的思想感情，使作品充满意境，给人身临其境之感。其文化之博大精深，既是中华灿烂文化的瑰宝，又是东方绘画体系的重中之重，对汉字文化圈的艺术文化与审美取向甚至是东方哲学都起到了不可小觑的作用。
6 参考文献
[1] 杜菊霞. 色彩运用在中国画人物题材创作中的价值研究[J].大观，2021（05）：152-153.
[2] 张令伟. 中国画人物题材创作中色彩的应用研究[J]. 美术教育研究，2018（11）：10-11.
[3] 雒红强. 基于中国画人物题材创作中色彩的应用研究[J]. 艺术品鉴，2017（02）：186.
[4] 任可欣. 谈色彩在中国画人物题材创作方面的应用[J]. 艺术品鉴，2020（11）：258-259.
[5] 陈宇鹏. 浅析色彩在传统中国画人物创作中的应用技巧[J].开封教育学院学报，2012，32（04）：77-78.
[6] 賈莉莉. 中国画人物题材创作中色彩的运用研究[J]. 美与时代（ 中），2021（02）：23-24.
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